El crepúsculo de los dioses blog de cine: Donde habita el peligro-la morbosa sensualidad del cine negro en estado puro

miércoles, 1 de agosto de 2012

Donde habita el peligro-la morbosa sensualidad del cine negro en estado puro

DONDE HABITA EL PELIGRO (WHERE DANGER LIVES, 1950)

Directed by
John Farrow

Writing credits
(in alphabetical order)
Charles Bennett screenplay
Leo Rosen story

Cast:Robert Mitchum ... Dr. Jeff Cameron
Faith Domergue ... Margo Lannington

Claude Rains ... Frederick Lannington

Maureen O'Sullivan ... Julie Dawn
Charles Kemper ... Postville Police Chief
Ralph Dumke ... Klauber
Billy House ... Bogardus, Postville J.P.
Harry Shannon ... Dr. Maynard
Philip Van Zandt ... Milo DeLong
Jack Kelly ... Dr. James Mullenbach

Produced by
Irwin Allen .... associate producer
Irving Cummings Jr. .... producer

Original Music by
Roy Webb

Cinematography by
Nicholas Musuraca (director of photography)

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Un excelente film noir, obra de un director (John Farrow), que cuenta con más que notables pelis negras ("The big clock" (1948), "His kind of woman" (1951), etc), y distinguido y elevado a la máxima potencia por la rotunda y apoteósica fotografía en blanco y negro de Musuraca, genial operador de "La mujer pantera" (1942), o "Retorno al pasado" (1948).

Yo tenía un satrip mío, con el doblaje clásico (con el clásico doblador de Robert Mitchum, que para mí, es incluso mejor que la voz del propio Mitchum, debido a su socarronería y autoparodia), así que se lo he sincronizado a este dvdrip estupendo de iMMORTALs, y para completar la fiesta, montaraz nos va a traducir los subtítulos ingleses.

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...Por tanto, yo ya conocía y amaba esta peli negra. Probablemente habría que realizar un fascinante estudio sobre los personajes negros de Mitchum y sus inefables diálogos.

Las frases de Mitchum en sus películas negras, son de una sorprendente inteligencia y condensación filosófica. En su típico papel de duro que se las sabe todas, pero que en realidad es un ingenuo (sobre todo con las mujeres), no ha habido actor que haya insultado o puesto en su sitio a las femme fatales, con mayor dosis de humor e inteligencia verbal.

Así mismo, sus conversaciones con los personajes de los bajos fondos, no suelen tener desperdicio. A Mitchum pueden estar apuntándole con una pistola, y él, impávido, puede reírse de toda la situación, e incluso autoparodiarse, con frases como: "...desde luego, he envejecido mucho en los últimos cinco minutos!".

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Por ello (y quizás, por el control que Howard Hughes ejerció sobre el actor, en su etapa negra), las películas de Mitchum forman una serie coherente, llena de riqueza dialoguística, que resulta insustituíble en la historia del cine negro.

En cuanto a sus oponentes femeninas, quizá la más explosiva haya sido Jane Russel, pero en "Where danger lives" tenemos a la tan hermosa como interesante Faith Domergue.

No obstante, un tercer actor, Claude Rains, casi se come la película, en su papel de viejo marido despechado, a pesar de aparecer sólo en una escena (aunque importante). Su actuación queda grabada en la mente del espectador.

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Gloria Grahame

Gloria Hallward (28 de noviembre de 1923, Los Ángeles, California - 5 de octubre de 1981, Nueva York) fue una actriz estadounidense de cine, teatro y televisión. Galardonada con el premio Oscar 1952 a la mejor actriz secundaria, por su participación en la película Cautivos del mal (1952).

Trayectoria artísticaHija de Jean McDougal, de nombre artístico Jean Grahame, actriz y profesora de teatro, Gloria Hallward comenzó su carrera como actriz en el medio teatral. Mientras trabajaba en los escenarios de Broadway, fue contratada por la productora MGM, en la que empezó a trabajar en el medio cinematográfico, y se cambió el nombre por el de Gloria Grahame. Desempeñó papeles importantes en producciones de Hollywood durante las décadas de los 40 y 50, siendo nominada al Oscar de la Academia de Hollywood como mejor actriz secundaria por Encrucijada de odios (1947). Tras su trabajo con directores como Nicholas Ray y Cecil B. DeMille, volvería a ser nominada de nuevo al Oscar a la mejor actriz secundaria en 1952, por su interpretación en Cautivos del mal (The Bad and the Beautiful), de Vincente Minnelli. A partir de mediados de la década de los 50 la carrera en el cine de Gloria Grahame declinó, en parte debido a los malos resultados de una operación quirúrgica en un labio, lo que perjudicó la dicción de la actriz. En la década de los 60 Grahame se mantuvo muy activa en el medio teatral, pero prácticamente abandonó el cine, interviniendo solo en el western Noche de violencia. Desde el comienzo de la década siguiente hasta principios de los 80, Grahame tendría una actividad considerable en el cine y la televisión, sin abandonar el medio teatral, representando varias obras en Inglaterra.

Vida personalGloria Grahame estuvo casada en cuatro ocasiones, siendo su segundo marido el director Nicholas Ray. Fué madre de cuatro hijos, de los que tres fueron niños, y una, niña.

Muerte.En 1981, Grahame fue dignosticada de cáncer de estómago, pero ella rechazó el resultado del diagnóstico, y viajó a Inglaterra para proseguir con su actividad profesional en el teatro. Una vez allí, su salud se deterioró rapidamente, siendo trasladada de nuevo a los Estados Unidos, y falleciendo finalmente en Nueva York el 5 de octubre de 1981, alos 57 años de edad. Gloria Grahame está sepultada en el Cementerio Oakwood Memorial Park, en Chatsworth, California.

Filmografía (parcial)Melvin y Howard 1980 Director: Jonathan Demme
Hombre rico, hombre pobre (Serie de TV) 1976
Apuestas contra el mañana 1959 Director: Robert Wise
No serás un extraño 1955 Director: Stanley Kramer
Oklahoma! 1955 Director: Fred Zinnemann
La tela de araña 1955 Director: Vincente Minnelli
Deseos humanos 1954 Director: Fritz Lang
Fugitivos del terror rojo 1953 Director: Elia Kazan
Los sobornados 1953 Director: Fritz Lang
Una aventurera en Macao 1952 Director: Josef von Sternberg
Cautivos del mal 1952 Director: Vincente Minnelli--Oscar a la mejor actriz secundaria
El mayor espectáculo del mundo 1952 Director: Cecil B. DeMille
En un lugar solitario 1950 Director: Nicholas Ray
Un secreto de mujer 1949 Director: Nicholas Ray
Encrucijada de odios 1947 Director: Edward Dmytryk--Nominación al Oscar a mejor actriz secundaria
¡Qué bello es vivir! 1946 Director: Frank Capra
Sin amor 1945 Director: Harold S. Bucquet

Norma Jean Baker que estás en los cielos

Norma Jean Baker. Norma Jean Morteson. Marilyn Monroe

Recuerdo que Norma Jean Mortenson,bautizada luego como Norma Jean Baker,y rebautizada para la posteridad ad infinitum como Marilyn Monroe, soltaba a los caballos atados y vencidos, en un desierto de sal, de Nevada, con la ayuda de Montgomery Clift, todo lleno de cicatrices tras el accidente que le destrozó su apostura.Y que Clark Gable, tirando de riñones los volvía a lazear uno a uno, y luchaba contra ellos, y era Gable, no un doble, sino el propio Gable con dos de los mismos, el que sangraba y sudaba y echaba el bofe, y bueno así se explica, que el galán de las orejas grandes, el inolvidable Red Butler la palmara pocos meses después de la película maldita.
Y llegaba tambaleándose y se sentaba en estribo de la camioneta, después de liberar por voluntad propia a los potros que llevaban en sus ojos el viento de la libertad y de la bendita locura, y hablaba de que ese era el fín de una época,que era el fin de unos tiempos, de una manera de vivir, que antes esos hermosos caballos, servían para ser montados por jinetes audaces, o como mal menor para tirar de una carreta, e incluso uncidos a un yugo para hacer zurcos para la labranza, pero ahora, por Dios, ahora, los mataban para hacer conservas de carne para asquerosos perros,para malditos chuchos caseros, contagiados de todas las neurosis de sus dueños, eso hacían Dios con estos hermosos cimarrones salvajes,y eso era más de lo que él podía soportar.
Por eso hablaba del fín de una época, del fín de un estilo honesto y libre de vivir, algo que los comerciantes con su falsa amabilidad, con su hipócrita e interesada cortesía nunca podrían tener con su sucio trapicheo de billetes mugrientos y arrugados, comprando el corazón limpio y palpitante, de un caballo salvaje,para enlatarlo y hacer carne para el animal más estupido de la creación, el perro. El primero que fue domesticado por el hombre, y por eso, el que más se le parece, el que es menos animal, menos salvaje, menos libre, y el más vasallo, más servil de todos los animales.
Y Norma Jean Mortenson, es decir Norma Jean Baker, es decir Marilyn Monroe, tenía en su pecho el corazón de uno de esos potros salvajes, por eso la despedazaron e hicieron con su carne, conserva para perros, y cortesana de cama de presidentes, fiscales generales, actores de medio pelo, hampones de la mafia, y se olvidaba las bragas en la bañera privada del despacho oval de la Casa Blanca, después de hacerlo con John F. Kennedy, en la postura que más le gustaba al segundo hijo de patriarca de Boston,por su herida de guerra, el hijo del bucanero y contrabandista de la familia que hizo la fortuna con la Ley Seca, para llevar a un hijo suyo, fuera el que fuera, a la presidencia, y hacerlo un príncipe.
Y Johnn Kennedy lo hacía con Marilyn Monroe o con cualquiera de las otras muchas, en la posición que más le gustaba, el sentado y la chica encima a horcajadas, porque le dolía la espalda, desde su herida en la segunda guerra mundial,cuando mandaba una patrullera, y por eso se ponía morado de cortisona, lo que curiosamente le convirtió de un joven alfeñique, en un macizo hombre de mandíbulas cuadradas y de hombros robustos. Y bueno lo demás ya es conocido, el viaje a Dallas, el dilema del complot o la teoría del tirador solitario y de la bala loca,
capaz de cambiar seis veces de trayectoria, y su craneo en la morgue de Dallas, con medio cerebro hecho papilla.
Pero antes, meses antes, años antes, se lo hacía con Norman Jean Baker o sea con Marilyn en la Casa Blanca, a donde la llevaba Frank Sinatra o el cuñado del presidente, el actor de tercera división Peter Lawford en un coche, en la oscuridad de la noche, porque el presidente tenía ganas de echarle un polvo a la rubia tonta...Y por aquél entonces fue cuando Norma Jean Baker es decir Marilyn Monroe, el 9 de mayo de 1962 , en Nueva York, en la gala por el cumpleaños del entonces presidente John F. Kennedy,le cantó el "Happy Birthday Mr. President",con voz de gata en celo, o de estar tan colocada como para no poder levantar la voz más allá de un morboso susurreo...
Sin embargo Norma Jean en la soledad de su apartamento escribía poemas y poemas, poemas sobre la soledad, y sobre la muerte, y sobre como se puede utilizar y manipular a un ser humano. Y se sentía aterrada de ser un hermoso ave enclaustrada en una jaula de oro, y ser llevada a unos y otros como puta de lujo,y de ser un alazán salvaje de las montañas de Nevada, al que querían poner un lazo en el cuello, con una cuerda y atado con un dogal al neumático inmenso de una camioneta Chevrolet,que le llevaría rodando por las añiles y saladas arenas del desierto de Nevada hasta agotarla, y que se desplomara rendida,rota con su púpila inmensa, mirando fijamente las estrellas mientras los hombres de gris bajaban de la camioneta,para darle el tiro de gracia y hacer de ella, carne para perro en lata...
Y entonces es cuando quería morir, y cuando llamaba a Joe Dimaggio su primer esposo, quien más la quiso, y lloraba al telefóno, y el pitcher más elegante que tuvieron los Yankis de New York, es decir Dimaggio, la consolaba, en cambio ese cabrón de Athur Miller, siempre la trató como una rubia subnormal, y bueno la pobre Norma Jean se lo creyó,y por eso lloraba en la soledad de su apartamento,o andaba como un zombie en los set de rodajes, o daba camballadas con la sexta copa en la mano por las fiestas de la Corte de Camelot, de Johnn.F.Kennedy y donde Jaqueline Bouvier la miraba con desprecio.
Y Clark Gable, hecho pedazos, creedme, hecho pedazos,se subía sangrante y axficiado a al furgoneta y conducía con una mano y con la otra se la pasaba sobre los hombros a Marilyn y le decía : " eres la mujer más bella y más triste que he conocido nunca...". El 5 de agosto de 1962, a las 4:55 hrs,el jefe del departamento policial de Los Ángeles, Jack Clemmons,recibió una llamada del médico psiquiatra Dr. Greenson, psicoanalista de Monroe, quien le dijo que la actriz había muerto en su casa. El oficial Clemmons fue el primero en llegar al lugar. La primera autopsia reveló que falleció de una sobredosis de barbitúricos. El informe policial calificó el suceso como un "probable suicidio", pero por falta de pruebas los investigadores dejaron abierta la posibilidad de que hubiera sido asesinada. También otras teorías sugerían que John y Robert Kennedy tuvieron algo que ver con muerte de Monroe, incluso se dice que fue un crimen mafioso....
El 8 de agosto, Joe DiMaggio, su primer esposo, realizó el funeral en privado. Lee Strasberg, el creador del Actor´s Studio pronunció las siguientes palabras de despedida en el sepelio de Norman Jean Mortenson: «No puedo decirle adiós a Marilyn,nunca le gustaba decir adiós. Pero, adoptando su particular manera de cambiar las cosas para así
poder enfrentarse a la realidad, diré 'hasta la vista'. Porque todos visitaremos algún día el país hacia donde ella ha partido».
Y Norma Jean Mortenson, luego Norma Jean Baker, luego Marilyn Monroe, con sus sueños intactos,se fue para vivir en paraísos infinitos, y horizontes sin límites como los del desierto de Nevada, donde rodó por última vez, e interpretó con toda su alma, y todo su corazón a esa pobre divorciada, que movía el culo cuando jugaba con la paleta y la pelota en el bar de Reno.O cuando besaba a Gable en plena calle, y soñaba en tener una pequeña cabaña, para regar sus rosales... o cuando, en la oscuridad silenciosa de la noche, se dejaba caer sobre el hombro de Clark Gable y le preguntaba: ¿cómo sabremos como llegar a la ciudad?. Y Gable le enseñaba la constelación de Orión, con la Osa mayor brillante como un diamante sobre las montañas, y le decía " ella nos marcará el camino de regreso a casa..".
Y Marilyn se dormía en los robustos hombros de Gable, y por un momento, era feliz, por un momento estaba en paz, por un instante no necesitaba barbitúricos,ni somníferos, ni alcohol, ni escribir poemas sobre la soledad,la muerte, o sobre la traición del amor,ni llamar de madrugada, desde su insondable tristeza, a algún amigo sincero, que no quisiera sólo tirarsela y luego, si te he visto no me acuerdo y dejar a la rubia tonta tan sola como antes,sino a alguien que la quisiera de verdad,y derramar sobre sus mejillas, esas lágrimas de soledad.
Y así traspasó la frontera impalpable,el límite impreciso como un río y un mar que se funden, entre la vida y la muerte,y ya nunca más fue Marilyn, ni Norma Jean,sólo fue un soplo de brisa, una llama de fuego, un corazón por primera vez en calma, y tras esa paz de su corazón, cesaría su angustia,y su tristeza, y su soledad, y tras ese tornado que arrastraría todo rastro de iniquidad sólo se vería una luz infinita, y tras esa luz infinita,sólo quedaría Marilyn, y después que se marchara Marilyn ya no quedaría nada.Ya no quedaría nada...Sólo el silencio.
Sólo el silencio....
(Juanma miranda)

El Grande, Grande. Grande....Jean Gabin

(Jean-Alexis Moncorgé; París, 1904 - Neuilly-sur-Seine, 1976) Actor de cine francés. Hijo de los artistas de variedades Joseph Gabin y Hélène Petit, trabajó como aprendiz en la empresa constructora Chapelle y como mecánico hasta que en 1920 entró a formar parte del Follies Bergère gracias a la amistad de su padre con el empresario Fréjol. En 1924 cumplió su servicio militar en la Marina.
A su regreso en 1926 trabajó en el teatro y en espectáculos de variedades hasta que fue contratado por la compañía Pathé-Natham con la que debutó en el cine interpretando versiones francesas de películas alemanas. María Chapdelaine (1934), de Julien Duvivier, fue su primera gran oportunidad en el cine y la primera de sus numerosas colaboraciones con el director. En sus siguientes obras, Gabin adquirió una notable popularidad con su encarnación de héroes románticos y de origen humilde en filmes como La bandera (1935) y La Belle équipe (1936), ambas dirigidas por Duvivier, y Los bajos fondos (1936), de Jean Renoir.
Pepe le Moko (1937), también de Duvivier, fue sin ninguna duda su primer gran éxito internacional. En ella Gabin interpretó al personaje del título, un elegante ladrón que se esconde de la policía en la casbah de Argel, y vive una trágica historia de amor con una mujer de clase social superior. Pepe le Moko obtuvo un éxito sin precedentes en la historia del cine francés. Su director fue contratado por la industria estadounidense y la película causó una gran polémica que desembocó en su prohibición por el gobierno francés, que la acusó de desmoralizadora, en los primeros años de la Segunda Guerra Mundial. Al terminar la guerra, Pepe le Moko retornó como uno de los grandes clásicos del cine francés y generó un culto parecido al de Casablanca entre el público norteamericano.
Gabin dio vida en sus trabajos de finales de los treinta a una serie de antihéroes oscuros y desengañados. La gran ilusión (1937), de Jean Renoir, fue otra de las obras maestras en las que participó Gabin antes de la guerra y una de las más polémicas de su autor. En esta parábola pacifista y antimilitarista aclamada por personajes como Franklin D. Roosevelt, Louis Ferdinad Céline y Herman Goering, interpretó al teniente Marechal, un mecánico al que las circunstancias de la guerra convierten en prisionero de los nazis y héroe. La gran ilusión conquistó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia pese a ser vetada por Mussolini. La propia censura francesa cortó numerosas secuencias que no fueron vistas hasta veinte años después.
Gracias a su posición de estrella taquillera, el actor apoyó un proyecto arriesgado como El muelle de las brumas (1938), de Marcel Carné, que se convirtió en uno de los mejores ejemplos del llamado "realismo poético" francés. Escrita por Carné y su guionista habitual Jacques Prévert, Gabin dio vida a un desertor que se enamora de una idealista muchacha interpretada por Michèle Morgan. La bestia humana (1938), de Jean Renoir, marcó la transición de Gabin hacia papeles más oscuros. En esta adaptación de la novela de Emile Zola encarnó a un ferroviario que asesina a su mujer, interpretada por Simone Simon.
Dentro de este registro destacó su siguiente trabajo a las órdenes de Carné, Le jour se lève (1939), una de las grandes joyas de su director y del cine francés. Gabin interpretó otro de los clásicos antihéroes que forman su personalidad cinematográfica antes de la guerra; un hombre acorralado por la policía tras el asesinato del hombre que asedia a su amante. El guionista Prévert desarrolló toda su poética de la fatalidad en una cuidadosamente estructurada serie de flashbacks. Le jour se lève fue prohibida por el gobierno de Vichy, por haber contribuido al desastre de 1940, pero después de la guerra la película obtuvo un notable éxito y la RKO produjo una versión americana, Noche eterna (1947), de Anatole Litvak, con Henry Fonda en el papel de Gabin.
Convertido en la más famosa estrella del cine francés, Jean Gabin combatió en la Marina francesa durante los primeros años de la Segunda Guerra Mundial y en 1941 se exilió a los Estados Unidos, donde intervino en dos películas menores para la 20th Century Fox. Participó con las tropas de la Francia libre en el desembarco de Normandía y fue condecorado con la Croix de Guerre y la Medaille Militaire francesas.
En 1946 regresó a las pantallas francesas. Su actividad en los primeros años de la posguerra tiene escaso interés pero Gabin recuperó pronto su lugar de privilegio en el cine francés. Con la madurez se separó del romanticismo trágico de sus obras maestras anteriores y evolucionó a papeles de hombre experimentado y de calma estoica. Fue galardonado con la Copa Volpi al mejor actor del Festival de Venecia por su interpretación de un vagabundo ciego en La nuit est mon royaume (1951), de Georges Lacombe.
El punto de inflexión de su carrera tras la guerra fue sin duda Touchez pa au grisbi (1953), de Jacques Becker, uno de los grandes clásicos de su director y una influencia decisiva en la posterior série noire francesa, en el que interpretó a un gangster retirado que regresa a París para el golpe definitivo. Gracias a su poderosa interpretación en el filme de Becker y en El aire de París (1954), de Marcel Carné, Gabin consiguió su segundo galardón en el Festival de Venecia.
El comisario Maigret (1957), de Jean Delannoy, fue la primera de una serie de películas en las que encarnó al detective creado por el escritor Georges Simenon hasta los primeros años sesenta. Al mismo tiempo interpretó algunos papeles más ligeros, como en sendas películas de Gilles Grangier, Arquímedes el vagabundo (1959), por la que fue galardonado en el Festival de Berlín, y Les vieux de la vieille (1960), en la que Gabin se enfrenta a dos cómicos consagrados como Bourvil y Louis De Funes.
En 1963 formó su propia productora junto Fernandel, Gafer Films. Durante los últimos años de su carrera, Gabin permaneció como uno de los actores más taquilleros de Francia y apareció regularmente como estrella invitada junto con las nuevas generaciones de artistas como Jean Paul Belmondo o Brigitte Bardot. Sin dejar de lado su actividad cinematográfica, se dedicó a la cría de caballos en sus propiedades de Normandía. Falleció de un ataque al corazón en su casa de Neuilly siendo toda una institución nacional.

Jack Palance (Hazle Township, Pensilvania, Estados Unidos, 18 de febrero de 1919 - Montecito, California, Estados Unidos, 10 de noviembre de 2006), fue un actor estadounidense ganador de los premios Óscar y Globo de Oro. Célebre por sus papeles de villano, al interpretar personajes duros, malos o psicópatas.

Biografía.Nació el 18 de febrero de 1919 en Hazle Township, Pensilvania en el seno de una familia de modestos inmigrantes ucranianos. Su nombre real era Vladymir Ivanovich Palahniuk.

Su cara de rasgos duros y su corpulencia lo convirtieron en el malvado ideal en la pantalla grande, con lo que pasó a interpretar casi exclusivamente asesinos y psicópatas en los más de 80 filmes en los que actuó.

De origen humilde, fue lustrabotas, salvavidas, boxeador, y soldado antes de ser actor.

Sin embargo, su físico poco común había sido su carta de la suerte cuando en 1947 debió reemplazar a Anthony Quinn y luego a Marlon Brando, con sendas convalecencias, en la producción en Broadway de "Un tranvía llamado deseo" de Elia Kazan, el mismo director que tres años después lo lanzaría a la gran pantalla con "Panic in the streets" (1950).

Hijo de un minero de extracción, a fines de la década de 1930 se lanza bajo el seudónimo de Jack Brazzo a una carrera en el boxeo profesional que le deparó varios éxitos: además de ganar sus primeras 15 peleas, 12 de ellas por nocaut, logra un palmarés de 18 triunfos en 20 combates. Los golpes en el boxeo desfiguraron su rostro.

Palance dejó el boxeo profesional para ingresar en las fuerzas armadas en los primeros años de la década de 1940. Participó en la Segunda Guerra Mundial donde su rostro fue dañado nuevamente al estallar en el aire el bombardero en que iba. Fue intervenido en una serie de cirugías reconstructivas. Tras ser dado de baja en 1944, entró en la Universidad de Stanford de California, donde se licenció como dramaturgo en 1949. Antes de encontrar sus grandes oportunidades como actor, Palance trabajó desde vendedor de helados, profesor de natación, guardaespaldas e incluso periodista. Hasta que sube a las tablas de Broadway y un día lo descubre el director Elia Kazan, quien queda impresionado por "un rostro que sólo una madre podría amar". El rostro angulado y la barbilla marcada le daban a Palance un aire misterioso con el cual era capaz de erizar la piel con su mirada fija.

Es entonces cuando empieza a delinearse su imagen de "villano" en cintas como Arrowhead, Man in the Attick o Sign of the Pagan.

En 1955, Robert Aldrich le concede su primer papel sicológico en The Big Knife donde mostró otra faceta de su talento.

En 1968, el director de cine español, Antonio Isasi-Isasmendi, le dio un papel en la película Las Vegas, 500 millones.

Durante la década de los años 1970 atravesó un periodo difícil por haberle dado la espalda a numerosos proyectos de Hollywood, a quien no perdonaba haberlo encasillado en papeles de villano.

Pese a otros intentos, gracias a papeles de directores como Stuart Heisler o su trabajo en "Le mépris" de Jean-Luc Godard en 1964, siempre se vio obligado a seguir aceptando los papeles de malo.

En los años 80 animó el programa de televisión "Ripley, aunque usted no lo crea" (en inglés, “Ripley’s Believe It or Not!”) el cual mostraba curiosidades del mundo entero. Posteriormente sería conducido por su hija Holly Palance.

Luego de varias producciones italianas de poco destaque, Palance tuvo un regreso notable con Bagdad Café de Percy Adlon (1987) y Batman de Tim Burton (1989).

Misántropo al igual que su amigo Lee Marvin, Palance vivía aislado en su rancho de California y dedicaba su tiempo a la pintura y a sus hijos. Su última aparición en la pantalla fue en 2005 para una serie de televisión.

Aficionado a la pintura, también escribió un libro de poemas, The Forest of Love (1996), y hablaba seis idiomas: ucraniano, ruso, italiano, español, francés e inglés.

En 1991, a los 73 años, obtuvo el Óscar al mejor actor de reparto por su papel junto a Billy Crystal en el 'western' en tono de comedia "City Slickers" (conocida en español como "Cowboys de ciudad") donde hacía una parodia de sí mismo como un duro vaquero. El reconocimiento llegó tras varios años de espera.

Falleció el 10 de noviembre de 2006 en California a los 87 años, de causas naturales en su hogar en Montecito, California, rodeado de su familia.
Filmografía
Jack Palance en una imagen del tráiler de la película antimilitarista AtaquePánico en las calles (1950), de Elia Kazan.
Raíces profundas (1953), de George Stevens.
Shane, El Desconocido (1953)
Requiem for a Heavyweight (1956)
Ataque, de Robert Aldrich (1956)
Flor de Mayo, de Roberto Gavaldón (1959)
Barrabas , Barabbas de Dino De Laurentiis (1962)
Los profesionales (1966), de Richard Brooks.
Justine: El Marqués de Sade (1969), de Jesús Franco.
Seis balas... Una venganza... Una oración de Frank Kramer (1976)
Bagdad Café (1987), de Percy Adlon.
Arma Joven - Young Guns (1988)
Batman (1989)
Tango y Cash (1989)
Amigos Siempre Amigos (1991)
Cowboys de ciudad (1991)
El Regreso de Prancer (2001)
Cyborg 2 (1993)

Ese poli es un panoli - Cops and Robberson Michael Ritchie (1994)

Premios[editar] ÓscarAño Categoría Película Resultado
1991 Óscar al mejor actor de reparto Cowboys de ciudad Ganador
1953 Óscar al mejor actor de reparto Raíces profundas Nominado
1952 Óscar al mejor actor de reparto Miedo súbito Nominado

La nota de suicidio de Anna María Pier Angeli . " James Dean fue mi único gran amor..."

Anna Maria Pierangeli, actriz italiana, (n. Cagliari, Cerdeña 19 de junio de 1932- m. Beverly Hills, California 10 de septiembre de 1971).

Su hermana gemela, Maria Luisa, también sería actriz cinematográfica bajo el nombre de Marisa Pavan.

Tras actuar en varias obras de teatro, Anna Maria debutó en el cine de su país con un melodrama titulado "Mañana será tarde" (1949), dirigida por Léonide Moguy y en la que actuaba junto a Vittorio de Sica. Tras otro film, "Mañana será otro día" (1950), fue llamada a Hollywood, donde, ya convertida en Pier Angeli (obtenido a través de la fragmentación de su apellido), rodó en 1951 "Teresa", donde interpretó a una joven italiana que se casa con un soldado americano.

Otros títulos de la etapa hollywoodiense de Pier fueron, entre otros, "Tres amores" (1953), "Sombrero" (1953), "El cáliz de plata" (1954, en la que debutó Paul Newman), "The Flame and the Flesh" (1954), "Marcado por el odio" (1956, donde volvió a reunirse con Newman) y "Loco por el circo" (1958).

Durante el rodaje de "Tres amores" conoce a Kirk Douglas, con el que mantiene un romance en 1953. Durante tres meses del siguiente año mantiene un romance con el rebelde por excelencia, James Dean.

Finalmente, el 25 de noviembre de 1954 Pier se casa con el cantante y actor Vic Damone, del cual tiene a su hijo Perry el 22 de agosto del siguiente año. Sin embargo, el 18 de diciembre de 1958 la pareja se divorcia.

El año de su divorcio es el mismo del fin de la carrera hollywoodiense de Pier, que continuará rodando películas, principalmente en su Italia natal. La mayoría de dichos films son poco destacados, mereciendo mención de su filmografía de los 60 "Amargo silencio" (1960), que rodó en Inglaterra; "Sodoma y Gomorra" (1962) y "La batalla de las Ardenas" (1965).

El 14 de febrero de 1962 Pier contrajo segundas nupcias con el compositor Armando Trovaioli, con quien tuvo a su hijo Andrew el 8 de enero de 1963. Este matrimonio no tuvo éxito y se divorciaron en 1969 (aunque estaban separados desde 1966).

Su carrera continúa cayendo en picado, hasta el extremo de que en un último esfuerzo por salvarla acepta participar en una película erótica.

Su última película fue un producto de ciencia ficción titulado "Octaman", de 1971. El 10 de septiembre de ese mismo año, Pier Angeli se suicidó con barbitúricos a los 39 años de edad. Al parecer, tenía un problema depresivo. Dejando una nota donde decía que James Dean fue el único verdadero amor de su vida.[cita)

Dorothy Malone; la chica buena que se convirtió en diablesa

Dorothy Malone nació el 30 de mayo de 1926 en Illinois, Chicago, Estados Unidos; es una actriz estadounidense que ha sido premiada por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Los Ángeles, California
Siendo Dorothy muy niña, su familia se traslada a Dallas, Texas, en donde ésta comienza a trabajar como modelo desde muy pequeña, como también realiza actuaciones en la escuela Ursuline Convent y luego en la University Highland Park School.

En una de tales actuaciones fue vista por un agente de la empresa RKO que observó el talento de la joven Dorothy y la invitó a firmar un contrato para realizar un film en los estudios de dicha compañía. Fue entonces cuando realizó un pequeño papel en su primera película en el año 1943 titulada The Falcon and the Co-Eds, también trabajó en "Higher & Higher", film que tenía como protagonistas principales a Frank Sinatra, Michèle Morgan y Jack Haley. Posteriormente y a la edad de 20 años firmó un importante contrato con la Warner Brothers.

En los comienzos de su carrera, Malone representó muchos papeles que tenían que ver con películas de un nivel no tan artístico, siendo éstas westerns, considerados como films de clase B; ello a pesar de que Dorothy había tenido la oportunidad de desempeñar pequeños roles que fueron memorables, como la vendedora con gafas en una tienda de libros raros, en la película El sueño eterno dirigida por Howard Hawks (1946) junto a Humphrey Bogart o como la enamorada de Dean Martin en la comedia musical (1955) Artistas y modelos.

En 1956, Malone se transformó en una rubia platinada y revirtió su imagen de muchacha buena para co-protagonizar junto a Rock Hudson, Lauren Bacall, y Robert Stack, todos bajo la dirección de Douglas Sirk, el film melodramático "Escrito sobre el viento". Su papel le significó el hacerse acreedora al premio a la mejor actríz de reparto otorgado por la Academia de Hollywood.

Consecuentemente, le ofrecieron otros papeles, incluyendo Too much, too soon con Errol Flynn, en la que ella retrató a Diana Barrymore (su autobiografía); El hombre de las mil caras (con James Cagney); y Brujo (con Henry Fonda y Richard Widmark). Los trabajos adicionales en la pantalla incluyen Ángeles sin brillo en donde realizó papel co-protagónico junto a Rock Hudson y Robert Stack; El último viaje con Robert Stack; y El último atardecer con Rock Hudson.

Malone se convirtió en una figura muy conocida al aceptar el papel principal en Peyton Place[2] serie para televisión de la compañía de difusión americana ABC, desde 1964 a 1968 (conocida en el mundo hispanohablante como La caldera del diablo), como también al desempeñar un destacado rol en la serie de TV "Rich Man, Poor Man". Un aspecto notable de sus dotes interpretativas lo puso de manifiesto en la pantalla grande al interpretar a la madre condenada por asesinar a su familia en Instinto básico (1992) junto a Michael Douglas y Sharon Stone. Malone estuvo casada y divorciada tres veces y tiene dos hijas, Mimi y Diane, de su primera unión con el productor Jacques Bergerac (1959 - 1964). Sus siguientes matrimonios fueron con Robert Tomarkin (1969 - 1969) y Charles Huston Bell (1971 - 1974). Su estrella en el Paseo de la fama de Hollywood está situada en el número 1718.

Filmografía
El último atardecer (1961)
El último viaje (1960)
El hombre de las pistolas de oro (1959)
Too much, too soon (1958)
El hombre de las mil caras (1957)
Ángeles sin brillo (1957)
Escrito sobre el viento (1956)
Las columnas del cielo (1956)
Artistas y modelos (1955)
Más allá de las lágrimas (1955)
Cinco pistolas(1955)
Infierno 36 (1954)
La casa 322 (1954)
Juntos hasta la muerte (1949)
Noche y día (1946)
El sueño eterno (1946)

El- La Paranoia de los celos filmado por el genio de Buñuel

Él
Título Él
Ficha técnica
Dirección Luis Buñuel
Ayudante de dirección Ignacio Villarreal
Producción Óscar Dancigers
Guion Luis Buñuel
Luis Alcoriza
Música Luis Hernández Bretón
Fotografía Gabriel Figueroa
Montaje Carlos Savage
Vestuario Henri de Chatillon
Protagonistas Arturo de Córdova
Delia Garcés
Aurora Walker
Carlos Martínez Baena
Manuel Dondé
Rafael Banquells
Fernando Casanova
José Pidal
Roberto Meyer
Luis Beristáin
Ver todos los créditos (IMDb)
Datos y cifras
País(es) México
Año 1953
Género Drama
Duración 92 minutos
Idioma(s) Español
Compañías
Productora Ultramar Films
Ficha en IMDb

Él es una película mexicana de largo metraje del director español exiliado en México, Luis Buñuel. Es una de las que mejor refleja la maestría con la que el director aragonés manejaba todos los registros del melodrama. El guion se escribió tomando como base la novela del mismo nombre de la escritora canaria Mercedes Pinto.

Sinopsis Francisco Galván es un joven soltero, religioso, de buena posición social y casto. Un jueves santo en la iglesia, durante la ceremonia del lavado de pies, su mirada divaga por los peregrinos hasta que bruscamente se detiene en los pies de Gloria. A partir de ese momento la buscará y enamorará, a pesar de que ésta resulta ser novia de su amigo, el ingeniero Raúl. El amor que parece nacido de la locura no parará nunca, y los celos patológicos de Francisco condicionarán todo su comportamiento posterior.

RepartoArturo de Córdova (Francisco Galvan de Montemayor)
Delia Garcés (Gloria Milalta)
Carlos Martínez Baena (Padre Velasco)
Manuel Dondé (Pablo)
Fernando Casanova (Beltran)
Aurora Walker (Esperanza Peralta)
Rafael Banquells (Ricardo Lujan)
Luis Beristáin (Raul Conde)
José Pidal
Roberto Meyer
Manuel Casanueva (sin crédito)
Chel López (sin crédito)
Álvaro Matute (sin crédito)
José Muñoz (sin crédito)
ComentariosBuñuel ya estaba en México cuando rodó esta película,en únicamente tres semanas en 1952. "Quizá es la película dónde más he puesto yo, hay algo de mí en el protagonista", son las palabras textuales de Buñuel sobre la película, que la calificó como su favorita. Bien sabido es que Buñuel era un hombre muy celoso, incluso Jeanne Rucar, su mujer, lo asegura en su biografía Memorias de una mujer sin piano. La película, basada en una novela de Mercedes Pinto, quién tuvo como esposo a un hombre machista, cuenta la historia de un psicótico paranoide, obsesivo, temeroso de perder a su mujer. Buñuel, cuando leyó la novela, le fascinó el personaje de Francisco, según sus propias palabras "lo estudió como a un insecto". Jacques Lacan, psicoanalista y amigo de Buñuel, expuso Él a sus alumnos como claro ejemplo de la paranoia.

En esta película, Buñuel demuestra sus obsesiones más evidentes como lo son la religión, escenas de campanarios e iglesias, o su gusto por la entomología, cuando Francisco compara a las personas con gusanos y exclama "me gustaría ser Dios para aplastarlos" y sobre todo, la obra desprende un gran fetichismo, como los planos de los zapatos de Gloria (Delia Garcés),son más que evidentes. Otra obsesión de Buñuel es por ejemplo, la escena en la cual Francisco entra en el dormitorio de Gloria con una cuerda, una aguja, hilo y una hoja de afeitar, lo que pretende Francisco es coserle la vagina para comprobar que le es fiel. En la película Buñuel no olvida su legado surrealista y es el propio delirio de Francisco (sobre todo en la última escena) el surrealismo de la película.

También el protagonista tiene una estrecha amistad con el criado, hay que recordar que cuando el criado juguetea con la nueva criada, a quien despide es ella y no a él. A Arturo de Córdova no le gustaba la idea de ir al cuarto del criado cuando éste estaba en calzoncillos, pensaba que el personaje parecería homosexual.

En la película Buñuel hace numerosos movimientos de cámara en espacios muy cerrados: la casa, el compartimento del tren, la iglesia el monasterio, dando una sensación agobiante. Los escenarios, hechos por Edward Fitzgerald se rodaron todos en un estudio, exceptuando algunas escenas que se filmaron en exteriores.

Cuando se estrenó la película fue un fracaso total,el público se reía. "Si duró tres semanas en la sala, se debió al nombre de Arturo de Córdova que ocupaba mucho cartel" según las palabras del propio Buñuel. A pesar del fracaso que tuvo en su momento, la película Él es considerada como una de las obras maestras de Luis Buñuel.

Lee Marvin (19 de febrero de 1924, Nueva York, Estados Unidos - 29 de agosto de 1987, Tucson, Arizona) fue un actor de televisión y cine estadounidense. Recordado por el tono grave de su voz, su pelo cano y su estatura. Ganador del premio Oscar 1966, al mejor actor, por su doble papel en la película La ingenua explosiva (Cat Ballou) en (1965).
Biografía. Su padre era ejecutivo de la publicidad y su madre, redactora de modas. El joven Marvin fue muy revoltoso, de forma que era expulsado de todos los colegios en los que sus padres le inscribían, por ser considerado incorregible. Sus padres le llevaron finalmente a Florida, para que realizase sus estudios escolares en una institución especializada, pero tampoco resultó.

Marvin se alistó entonces en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos, coincidiendo con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial. En la batalla de Saipan, en junio de 1944, fue herido en la parte inferior de la espalda, lo cual provocó daños serios en el nervio ciático. A raíz de ello fue declarado no apto para el servicio y enviado a los Estados Unidos. Allí comenzó a trabajar como fontanero en Woodstock, en el estado de Nueva York. En una ocasión estaba realizando una reparación en el teatro municipal, cuando se le pidió que sustituyese en un ensayo a un actor ausente. Esta experiencia despertó en él un enorme entusiasmo por la interpretación. Se trasladó a Nueva York, y estudió y actuó en pequeños papeles, en teatros de menor importancia.

Al cabo de un tiempo debutó en Broadway. Después de esta nueva experiencia se dedicó a la televisión, medio en el que estuvo interpretando numerosos papeles secundarios de poca importancia. Fue entonces cuando decidió trasladarse a Hollywood, donde consiguió actuar en películas de cada vez más relevancia encarnando a personajes malvados pero siempre carismáticos, que, no siendo protagonistas, se imponían en las tramas. En la década de 1960 se hizo conocido como protagonista de la serie de TV Ballinger de Chicago, con 117 episodios y sus papeles fueron creciendo en importancia. Así sus actuaciones se hicieron más frecuentes y relevantes, lo que le valió el reconocimiento del público y, ya en la década de 1970, también el de la crítica.

Recibió un inesperado Óscar al mejor actor principal por La ingenua explosiva, una comedia musical del Oeste, en la que encarna a dos personajes, un pistolero borracho y su hermano malhechor. Este premio le colocó entre los actores más solicitados de Hollywood. Marvin se especializó preferentemente en películas de acción. En la última época de su vida, siguió actuando en películas muy dispares en cuanto a su calidad y su éxito en taquilla. Sin embargo, ya era una estrella del cine consagrada.

Se casó por primera vez en 1951. El matrimonio tuvo un hijo y tres hijas. Tras 16 años, se divorció. En 1970 se casó por segunda vez. Murió repentinamente de un ataque al corazón en Tucson, Arizona, a los 63 años de edad.

FilmografíaThe Delta Force ("Delta force", 1986) de Menahem Golan.
The Dirty Dozen: The Next Mission ("Doce del patíbulo: misión final", 1985) de Andrew V. McLaglen.
Canicule (1984)
Gorky Park (íd., 1983) de Michael Apted.
Death Hunt (1981) de Peter H. Hunt
Uno Rojo:División de Choque ("The big red one", 1980) de Samuel Fuller.
Avalanche Express (1979)
Sam Fuller and the Big Red One (1979)
Shout at the Devil ("Cazar al diablo", 1976)
Great Scout and Cathouse Thursday (1976)
The Spikes Gang ("Rompehuesos", 1974) de Robert Aldrich.
The Klansman ("El hombre del clan", 1974) de Terence Young.
El emperador del norte ("Emperor of the North", 1973) de Robert Aldrich.
The Iceman Cometh (íd., 1973)
Prime Cut (1972)
Pocket Money (1972)
Monte Walsh (íd., 1970) de William Fuest.
La leyenda de la ciudad sin nombre (1969) de Joshua Logan.
Sergeant Ryker ("Sargento Ryker", 1968) de John Flynn.
Hell in the Pacific ("Infierno en el Pacífico", 1968) de John Boorman.
A quemarropa (1967) de John Boorman.
Los doce del patíbulo ("The dirty dozen", 1967) de Robert Aldrich.
The Meanest Men in the West (1967)
Tonite Let's All Make Love in London (1967)
Los profesionales (1966) de Richard Brooks.
El barco de los locos ("Ship of fools", 1965) de Stanley Kramer.
Cat Ballou ("La ingenua explosiva", 1965) de Elliott Silverstein.
The Killers ("Código del hampa", 1964) de Don Siegel.
Donovan's Reef (1963)
The Man Who Shot Liberty Valance ("El hombre que mató a liberty Valance", 1962) de John Ford
The Comancheros ("Los comancheros", 1961) de Michael Curtiz
The Missouri Traveler (1958)
Raintree County ("El árbol de la vida", 1957) de Edward Dmytryk
M Squad (1957)
The Rack (1956)
Attack ("Ataque", 1956) de Robert Aldrich
Pillars of the Sky ("Las columnas del cielo", 1956) de George Marshall
Seven Men from Now (íd., 1956) de Budd Boetticher
Not as a Stranger ("No serás un extraño", 1955) de Stanley Kramer
A Life in the Balance (1955)
Bad Day at Black Rock (1955)
I Died a Thousand Times ("He muerto miles de veces", 1955) de Stuart Heisler
Pete Kelly's Blues ("Los blues de Pete Kelly", 1955) de Jack Webb
Shack Out on 101 (1955)
Violent Saturday ("Sábado trágico", 1955) de Richard Fleischer
The Raid (1954)
El motín del Caine (1954)
The Wild One (1954)
Gorilla at Large (1954)
The Big Heat ("Los sobornados", 1953) de Fritz Lang
Down Among the Sheltering Palms (1953)
The Glory Brigade (1953)
Gun Fury (1953)
Seminole (1953)
The Stranger Wore a Gun (1953)
Diplomatic Courier ("Correo diplomático", 1952)
The Duel at Silver Creek (1952)
Eight Iron Men (1952)
Hangman's Knot (1952)
Hong Kong (1951)

ERIC ROHMER- EL ELOGIO DE LA PAUSADA NARRACION

Éric Rohmer

En la Cinémathèque française. 2004.

Archivo: Smdl.Éric Rohmer, seudónimo de Maurice Henri Joseph Schérer (Nancy, 4 de abril de 1920 - París, 11 de enero de 2010[1] ) fue un crítico y director de cine, además de periodista, novelista, guionista y profesor francés. Figura intelectual importante de la llamada Nouvelle vague (Nueva Ola) francesa de posguerra y editor de la prestigiosa revista de cine Cahiers du Cinéma, es recordado sobre todo por tres series de películas: Seis cuentos morales, las seis Comedias y proverbios y los Cuentos de las cuatro estaciones.

Sumario

1 Biografía

2 Su formación

3 Su cine

4 Su personalidad

5 Filmografía

6 Bibliografía

6.1 De Éric Rohmer

6.2 Sobre Éric Rohmer

7 Referencias

BiografíaLa publicación Quién es Quién en Francia, afirma que su nombre es Maurice Henri Joseph Schérer, nacido el 20 de marzo de 1920 en Tulle. Otras fuentes dan el nombre de Jean-Marie Maurice Schérer, nacido el 1 de diciembre de 1920 en Nancy.

Hijo de Lucien y Mathilde Schérer, después de terminar sus estudios, en la década de 1940 se trasladó a Paris donde trabajó como profesor de literatura y reportero de un periódico. En 1946, y bajo el seudónimo de Gilbert Cordier, publicó su única novela, Élizabeth.

Durante esos años se convirtió en asiduo asistente a la Cinemateca francesa y adoptó el nombre por el que se lo conocería desde entonces, Éric Rohmer, en referencia a dos de sus personas favoritas: el director de cine austrohúngaro Erich von Stroheim y el novelista británico Sax Rohmer, autor de la serie Fu Manchú.

Se casó en 1957 con Thérèse Barbet, con quien tuvo dos hijos. Es hermano del filósofo René Schérer y padre del periodista Denis Schérer, conocido con el seudónimo de René Monzat.

Fue galardonado en el Festival Internacional de Cine de Berlín 1967, 1983 y 1992, en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián 1970, en el Festival de Cine de Cannes 1976, y en el Festival de Cine de Venecia 2001, junto a otros importantes premios cinematográficos internacionales.
Su formaciónComo crítico de cine, llegó a ser jefe de redacción de la prestigiosa revista francesa Cahiers du Cinéma entre 1956 y 1963, junto a quien fue uno de sus grandes maestros, André Bazin. En 1950, mientras filmaba su primer cortometraje, Journal d'un scélérat, fundó junto a Jean-Luc Godard y Jacques Rivette la revista de crítica cinematográfica Gazette du Cinema. En esa época también trabó una relación intelectual constante con directores como Claude Chabrol, Alain Resnais y François Truffaut. Él y Claude Chabrol escribieron el libro Hitchcock, sus primeros cuarenta y cuatro filmes. Escribió además un ensayo erudito sobre La organización del espacio en el 'Fausto' de Murnau.
Su primer largometraje fue El Signo del León(1959), que obtuvo una buena recepción por parte de la crítica, pero que no fue bien recibido por el público. Al inicio estuvo muy marcado por el existencialismo (por ejemplo, el Jean-Paul Sartre de Situaciones I), y en esta película todavía se refleja; pero como señaló en El gusto por la belleza, tras ver películas de Roberto Rossellini, y en especial Stromboli, adoptó otro punto de vista sobre el mundo. Entre los franceses considera a Jean Renoir el más grande de todos, aunque el cine de Marcel Carné le llamó la atención de muy joven.
En 1962, junto al director alemán Barbet Schroeder y la productora Margaret Menegoz, creó una empresa productora de películas llamada Les Films du Losange, que hasta la actualidad ha realizado más de 80 películas.

Su cineEl cine de Eric Rohmer se caracteriza por su sencillez y por su agudeza intelectual. Hay un clima de profunda sintonía con los ambientes en los cuales se desarrolla la acción, y con aquellos personajes que definen el sentido moral de cada una de sus historias, muchas de ellas constituidas sobre relaciones triangulares. Los diálogos intensos y continuos, la alambicada expresión de los sentimientos definen su denominado "cine de prosa".

Probablemente, la separación de su carrera en tres grandes etapas aporte claridad, desde los temas y títulos de sus filmes, a aquellos que no hayan visto su cine. En la década de 1960 comenzó su famosa serie de filmes Seis cuentos morales, en los que aborda una temática que atraviesa toda su carrera: el rescate de la banalidad de la vida desde las palabras más habituales en apariencia, las acciones que llevan a cabo los individuos por canales que desafían a su propia identidad y voluntad. Esta etapa está caracterizada por sus filmes depurados de amores y desamores, y por el énfasis en la palabra puesta en boca de sus personajes, no para aportar información, sino para definir sus personalidades mediante la charla cotidiana, siempre sin música de fondo (que evitará). Los Seis cuentos morales fueron concebidos originalmente como una novela; sin embargo, Rohmer desistió de seguir escribiendo cuando descubrió que algunas situaciones podían definirse por medio de imágenes y no de palabras. En referencia a estas ideas, Rohmer declaró: "Yo no digo cosas en mis películas, muestro gente que habla y se mueve como los paisajes, las caras, los gestos y sus comportamientos".

El primer reconocimiento a su trabajo en un festival de cine fue en 1967, cuando su película La coleccionista, integró la nómina de filmes en la competencia oficial del Festival Internacional de Cine de Berlín y obtuvo dos distinciones, una a la Mejor película para público joven, y el Premio especial del jurado. Tres años más tarde, en 1970, fue nominado al Oscar en el rubro Mejor film hablado en idioma no inglés, por Mi noche con Maud; al año siguiente, ese largometraje fue candidato al Mejor guion original. Ambas son de esa primera serie.

Entre 1981 y 1987 —y tras su éxito con adaptaciones de época La Marquesa de O, basada en Kleist (1976), y de Perceval le Gallois (1978)—, rodó otra saga actual y variada, Comedias y Proverbios, que cuenta con siete producciones, entre las que se cuenta una irónica La Femme de l'aviateur (1980), y la rica en matices amorosos de jóvenes y menos jóvenes, Pauline en la playa, aunque destaque un film más personal y con mayor éxito tanto a nivel comercial como artístico, El rayo verde (1986). Esta etapa está marcada por una posición más optimista, con sabores que remiten a un cine post nouvelle vague, con una amargura constante que finaliza en filmes esperanzadores, en donde los personajes buscan llegar a un objetivo y esa misma búsqueda resulta ser el punto central de la mirada de Rohmer.

Con muchos puntos en común con las precedentes Comedias y proverbios (CP), en 1990 comenzó su última saga, llamada Cuentos de las cuatro estaciones (CCE), en donde se interna en historias de relaciones humanas, de las que el amor es, una vez más, el principal protagonista, y también pues el engaño, presente de manera notable en sus Seis cuentos morales (CM), le deja su lugar a una sensación ambigua de inseguridad y deseo contenido ausente en los primeros años de la década de 1980.

Las últimas películas —L'Anglaise et le duc (2000), Triple Agent (2004) y Les Amours d'Astrée et Céladon (2007)— fueron muy dispares, pero retomaron aspectos particulares de su cine.
Su personalidad: Rohmer intentó trabajar a lo largo de 40 años con un acotado equipo de trabajo, por lo que repitió colaboradores, actores y técnicos. Entre ellos puede destacarse la delicada y compleja labor de Marie Rivière como actriz en nueve de sus producciones y el trabajo de Néstor Almendros en la dirección de fotografía. Desde que, en 1992, Almendros falleció, Rohmer comenzó a trabajar con la directora de fotografía Diane Baratier, con quien realizó todos sus trabajos desde ese momento, dotando a filmes realizados en formato digital de una profundidad y complejidad visual sorprendentes.

Mary Stephen editó las últimas 9 producciones de Rohmer y Françoise Etchegaray produjo 7 de sus últimas 10 películas. Mientras que la actual presidenta de Unifrance, Margaret Ménégoz, produjo 11 filmes de Eric Rohmer, y Pascal Ribier realizó el sonido de todos sus filmes de la década de 1990. Solía tener un equipo de trabajo inamovible, los mismos colaboradores y técnicos durante años, personas de su entera confianza, tanto en lo personal como en lo profesional.

De esta manera se comprende mejor la personalidad del director francés, que era introvertido y que no daba demasiadas entrevistas a la prensa, porque prefería caminar tranquilo por París sin ser reconocido. Tampoco asistió a entregas de premios o a festivales de cine. Una excepción notable es su aceptación del premio "Cuyutlán/Museo de la Sal" concedido por el gobierno de Colima (México) en 1988. En este contexto, poco se sabe de su vida privada, salvo que desde joven amó la naturaleza. Una prueba de ello es la granja de ciervos que fundó en su pueblo natal. En los últimos años esta granja se ha distinguido por la producción de ejemplares de singular rareza (cfr. E. Lemaitre, 'Les merveilleux cerves naines de Nancy', Le Monde, 2 Juin 1965). Su interés constante por el catolicismo, y su conservadurismo político (su no izquierdismo declarado, como dice en Cine de poesía contra cine de prosa) son pequeños atisbos de un personaje que sólo se dio a conocer con sus películas.

FilmografíaJournal d'un scélérat (19

Présentation ou Charlotte et son steak (1951)
Les Petites filles modèles (1952)
Bérénice (1954)
La Sonate à Kreutzer (1956)
Véronique et son cancre (1958)
Le Signe du Lion (1959)
La Carrière de Suzanne (1963), 'CM'
La Boulangère de Monceau (1962), 'CM'
Nadja à Paris (1964)
Place de l'Étoile (1965)
Une Étudiante d'aujourd'hui (1966)
Fermière à Montfauçon (1967)
La Collectionneuse (1967), 'CM'
Mi noche con Maud (1969), 'CM'
Le Genou de Claire (1971), 'CM'
L'Amour l'après-midi (1972), 'CM'
La marquesa de O (1976)
Perceval le Gallois (1978)
La Femme de l'aviateur (1980), 'CP'
La buena boda (1982), 'CP'
Loup y es-tu? (1983)
Pauline en la playa (1983), 'CP'
Les Nuits de la pleine lune (1984), 'CP'
Le Rayon vert (1986), 'CP'
Quatre aventures de Reinette et Mirabelle (1987), 'CP'
L'Ami de mon amie (1987), 'CP'
Cuento de primavera (1990), 'CCE'
Conte d'hiver (1992), 'CCE'
L'Arbre, le maire et la médiathèque (1993)
Les Rendez-vous de Paris (1995)
Cuento de verano (1996), 'CCE'
Conte d'automne (1998), 'CCE'
L'Anglaise et le duc (2000)
Triple Agent (2004)
Les Amours d'Astrée et Céladon (2007)
Bibliografía De Éric RohmerLa Maison d’Elisabeth, París, Gallimard, 1946, reed. 2007, novela. Tr.: Elisabeth, JC Clementine, 2007 ISBN 978-84-95121-36-3

Hitchcock, Ramsay, con Chabrol, 2006 (or. 1957)
Rohmer / Pasolini, Cine de poesía contra cine de prosa, Anagrama, 1970
Six Contes moraux, París, L'Herne, 2003 (or. 1974),